篇一：!怎样写影评及经典影评范文
影评
电影评论，简称影评，是对一部电影的导演、演员、镜头语言、拍摄技术、剧情、线索、环境、色彩、光线等进行分析和批评，又称电影批评。
评论目的
电影评论的目的在于分析、鉴定和评价蕴含在银幕中的审美价值、认识价值、社会意义、镜头语言等方面，达到拍摄影片的目的，解释影片中所体现出的道理，既能通过分析影片的成败得失，帮助导演开阔视野，提高创作水平，以促进电影艺术的繁荣和发展；还能通过分析和评价，影响观众对影片的理解和鉴赏，提高观众的欣赏水平，从而间接促进电影艺术的发展。
评论内容
电影评论的内容是多样的。有着重评论影片的题材、主题、人物和它的社会意义的，也有专门论述不同片种、样式或影片的艺术风格、造型表现手段和电影语言的运用的；有对某一时期、某一流派的电影创作进行专题评论的，也有为著名的电影导演、演员等电影艺术家撰写评传的；既有在报刊上对当时上映的影片或某种创作问题写专栏评论的，也有对一定时期和范围内的影片进行评论的。由于读者和观众的层次不同，既需要供电影专业工作者研究用的专题论文，也需要有提高一般观众欣赏水平的影评文章。
景别运用
特写：拍摄人像的面部、被摄对象的一个局部的镜头。它可使表现对象从周围环境中突现出来，造成清晰的视觉形象，得到强调的效果。特写镜头能表现人物细微的情绪变化，揭示人物心灵瞬间的动向，使观众在视觉和心理上受到强烈的感染。近景：摄取人物胸部以上的电影画面。它能使观众看清人物的面部表情，或某种形体动作，有利于对人物的容貌、神态、衣着、仪表作细致的刻画。中景：摄取人物膝盖以上部分的电影画面。它有利于显示人物的形体动作，有利于交代人与人之间的关系，可以加深画面的纵深感，表现出一定的环境、气氛，而且通过镜头的组接，还能把某一冲突的经过叙述得有条不紊，常用以叙述剧情。全景：摄取人物全身或场景全貌的电影画面。它可以充分展示人物的整个动作和人物的相互关系。在全景中，人物与环境常常融为一体，能创造出有人有景的生动画面。远景：是指表现广阔空间或者开阔场面的画面的景别，是所有景别中视距最远、表现空间范围最大的一种景别。在电视节目中常用于表现地理环境、自然风貌和开阔的场景和场面。大远景：通常是从高角度拍摄的画面，用来做为定场镜头或提示宽广开阔的空间。
声画应用
声音：包括人声、背景音乐、音响
人声：交代说明、推进剧情、推动人物性格
背景音乐：烘托气氛、渲染氛围、深化主题、善于抒情
音响：增加真实感、烘托环境气氛、抒情言志
画面：包括人物、景物、道具
人物：视觉的中心，意念的载体
景物：抒情言志、推动情节发展、深化主题
道具：刻画人物性格、串联故事情节、抒情言志
声画结合：包括声画对应、声画分离、声画对比
声画对应：有什么画面，就有什么声音
声画分离：声音与画面分别叙述，两者不具备明显冲突
声画对比：声音和画面在意义和情绪上形成强烈反差
色彩：塑造人物形象、营造环境氛围、构成创造思想
色调：分为冷色调和暖色调
冷色调：色环中蓝、绿一边的色相称为冷色，它能给人以阴凉、宁静、后退、深远的感觉。 暖色调：色环中红、橙一边的色相称为暖色，它能给人以温馨、亢奋、前进、和谐的感觉。 光线：造型作用、表意作用、外画人物形象
镜头运用
长镜头：一段持续时间内连续摄取的、占用胶片较长的镜头，一般时长超过30秒。长镜头可以保持整体效果，保持剧情空间、时间的完整性和统一性；可以如实、完整地再现现实影像，增加影片的可信性、说服力和感染力；还可以渲染气氛、表现人物的心理活动。空镜头：又称“景物镜头”。指影片中作自然景物或场面描写而不出现人物（主要指与剧情有关的人物）的镜头。常用以介绍环境背景、交代时间空间、抒发人物情绪、推进故事情节、表达作者态度，具有说明、暗示、象征、隐喻等功能，在影片中能够产生借物喻情、见景生情、情景交融、渲染意境、烘托气氛、引起联想等艺术效果，在银幕的时空转换和调节影片节奏方面也有独特作用。
蒙太奇
蒙太奇原为建筑学术语，意为构成、装配。现在是影视专业术语，是一种剪辑技巧，一般包括画面剪辑和画面合成两方面。运用蒙太奇能丰富电影艺术的表现力，使表现内容主次分明，达到高度的概括和集中；还能够规范和引导观众的情绪和心理，启迪观众思考；还可以实现对时空的再造，形成独特的影视时空。
评论方法
总述
电影评论的可评之处，可以就其导演的独特构思、声音画面、蕴含的深刻道理、影片的时代意义、影视音乐、电影内容、电影灯光照明、电影的拍摄技巧、电影中的角色等都可以进行评论，评论过程通过结合影片具体内容和影片在构思、结构、技术、人物等方面最为闪亮之处摆出自己的观点，从而近一步论证。
要点
要写好一片影评，首先应当认真观看电影，并记录影片中重要的人物、镜头等方面，找出影片中最为亮点以及最新颖之处。一篇影评能否吸引人就在其于有没有不同于别人的观点，写出别人一般想不到的内容，可以用两个字总结“新”“奇”。
步骤
题目题目是任何写作中的第一闪光点，影评也不例外。一个好的影评题目，关键在于他能否用于传递作者想要在影评中表达的信息。在看完电影后写影评时，首先要找一个好的切入点，当然，这个切入点就要从题目开始入手了。影评的题目注重创新、新颖，起到让别人一看见题目就像读下去的作用。此外，影评题目越短越好，6-7个字为宜。开端阅高考语文作文的老师们都有一个习惯阅卷方法，即题目-开头-（中间）-结尾，如果一位考生的中间部分写的再好，但开头却弄得很差劲，这样阅卷老师对这位考生的中间内容最多就会大体浏览一遍，有的甚至连看都不看，因此，开端无疑是很重要的一个部分。在影评的开头，可以开门见山地一上来就介绍你所要写的影片最为亮点之处，或直接写影片的高潮结局，从而引起读者的兴趣；还可以运用“诗经六艺”中“兴”的手法，也就是说，由你想表达的内容联想到了什么其他东西可以代表你的如内容；也可以先插入一电影名家的名言，例如巴赞、爱森斯坦等，这样能为你的影评锦上添花。中间这一部分是影评的核心内容。其实写影评就是写一篇议论文，因此我们在写影评时应注意多分析、少叙述，以你想要表达的内容为中心，摆出论据，层层推演，但要注意不要跑题，也就是说，你在影评中分析的内容，都必须要围绕你的中心。结尾我们完成了影评的最主要内容之后不能就此结束，还应当有一个响亮的结尾。在结尾我们首先应该先对影评的主要内容进行一下总结，然后可以抒发自己的感想，表达一下自己对整个影片的理解；还可以引用名言、托物言志，让影评有一个好的收尾。
存在问题
跑题、讲故事、面面俱到、没有观点、写成“豆腐块”、本末倒置、常识问题、没有细节
《霸王别姬》影评范文
李碧华名作《霸王别姬》，我没看过原着，只看了电影。之前东鳞西爪地听人讲过这故事，略有了解。又在电视里瞥到几眼片段。一直耿耿于怀。为了表示对这部向往已久的好片子的尊重，破天荒地买了正版影碟。然后在一个冬夜裹着棉被捧着红茶看完。
如一切李氏作品，于沧桑倒转岁月轮回的幻丽之外，片中爱恨刻骨，人物鲜明，似欲乍生生活在眼前。张丰毅的小楼自是力拔山兮气盖世的刚了，张国荣的蝶衣却是令人心髓俱碎的柔。红氍毹上，霸王别姬，刚柔相济，侠骨柔情，怕不迷得多少女子，万劫不复？阿弥陀佛。
看完之后我独自窝在暖热的黑暗里沉迷。思想依然深陷，一波一波巨大冲击剧撼，乍梦乍醒。正是又一次不巧路过高人居处，被那高空坠物，当头砸倒，脑震荡又不知要若干天。但于如此剧烈震撼之中，好色之徒如我仍有余暇将片中男子拿来一个个在脑中过滤，陡然发现，最后剩在心坎上，滴溜溜一颗夜明珠，可不是霸王，也不是蝶衣，而是袁四爷。
——对，就是那个由葛优扮演的有些獐头鼠目一笑露出两颗大门牙的津津垂涎于男旦蝶衣最后遭人民政权镇压的反动戏霸袁世卿，袁四爷。
且莫认为我是穷极生疯一心想着要当反动会道门头子的小老婆。领导说，世界上没有无缘无故的爱（也没有无缘无故的恨）。待我细细将四爷的诸般好处，一一道来。
袁四爷首次出场，是在小楼蝶衣一折满堂彩的《别姬》演出之后。那时节霸王虞姬，正是月朗花香，溶溶脉脉，镜里双双望定，更不知戏外别有天地。
四爷便在此时闯入这二人世界。亮相先是“一点薄礼”。蝴蝶盒子里白晃晃全套珍珠钻石头面。好。有钱人捧戏子，挥金如土，也是常情。不过见得一份豪奢气魄。正如戏院经理所说：“都说当年太后老佛爷，她老人家赏戏，有这样的手面吗？——没有吧！”
四爷是冲着蝶衣来的。目的很明确，并不遮遮掩掩。但蝶衣眼里没有他。“舍下小坐”的要求，先是小楼的生硬，再是蝶衣的委屈，两次被拒。四爷是经场面的人，这一小场戏里头，自己是个惹厌的反角，当然心明眼亮。当下脱帽躬身，彬彬而退。更无半句废话。他没有当场暴跳，并不奇怪——这点涵养总还是有的，不然也混不到这份儿上。稀罕的是那份从容里头自有一种笃定，拿准了那只蝶，飞不走。并无老谋深算的阴险。只是一种淡然却坚定的自信。或许他相信除了钱，自己亦有其他，值得一个人被掳获。这一小场中，霸王与戏霸，五七步之争第一次埋下伏笔。
他不焦，不燥，不馁。由此我相信他并不是只知最后到手的一刹肉体之欢，那“皮肤滥淫的蠢物”。他亦懂得享受追求过程中的种种坎坷苦乐，不为人道的细腻感受。
过程就是结局。除了求爱，求欢，于这漫长曲折的人生，四爷当亦比他人获得更多过程中的印象与滋味。
第一回合的照面，四爷是个丰富敏锐，懂得咀嚼生活的男子。是在世道中打过滚来的人，因此学会平淡处之。
四爷不曾使甚卑鄙手段，因此也不曾在二人之间造成裂痕。相信他在追求（不管是男人还是女人）之中，纵是满心渴望，亦保留有所不为的原则。反倒是小楼方面，横里插进来一个菊仙。这才是真真的男欢女爱。蝶衣那“与师哥演一辈子别姬”的鸳鸯畸梦，终于化作云烟。
在小楼与菊仙定亲的时候，蝶衣独自仰躺在椅上。未卸的妆艳丽凄迷，一头长发散落，满目漆黑。是盲目绝望的永不可能的恋。面前是那面曾映照过霸王与虞姬身影的镜子。霸王不再。他已是别人的丈夫。互为形影的日子永不回头。此刻的镜子，代表的是蝶衣空洞的心。
于是四爷再现。镜头里我们看到一根长长的翎子，斜斜伸入镜中。四爷企图进入蝶衣的心。
“这双翎子，是从活雉鸡的尾巴上，生生收取的。当真是难得。”——也不知他是在说蝶衣难得还是在说自己这份心难得。从活雉鸡的尾巴上生生收取的翎子，残酷地叠印片中交缠一世，不得救赎的爱恨，也叠印乱世里屡遭摧折的绝美的京戏艺术。——一时多嘴，跑题了，回来再说四爷。
在四爷的宅中，蝶衣看到那把年少时许下心愿要送与师哥的剑。于他，那剑是关于他的爱人的威严，关于一份自幼固执的信念，关于虞姬对霸王的全部理解与寄托的信物。他要得到它。一个眼神，四爷已知其意。他说：“此剑是张府败落时费了大周折弄到手的。”又说：“你我之间不言钱字。那个字眼实在不雅。”这样张扬的狂傲，却未令人觉得他在市恩。缓而沉的语调，狂得有资格，傲得有资本。——由此亦可见，敢说“那个字眼实在不雅”，必得坐拥若干身家，不然便得是尝过富贵浮云滋味的过来人，否则，不是实在不食人间烟火（这种人我还没见过），便是故作清高，要么就是不知疾苦、更不知死活的狂言。于是，宝剑赠佳人。
蝶衣是四爷心目中一顾再顾，倾城绝世的佳人难再得。对于蝶衣自己，男儿郎与女娇娥的身份颠倒一生，始终就没弄清楚过。对于四爷，蝶衣是男是女，也已经不重要。重要的是，在蝶衣身上，他看到所谓完美的化身。
相信四爷对于蝶衣，欣赏的成分远多于情。情是一种不可理喻的深陷痴缠，要疯狂，要占有，妒恨煎熬，抵死缠绵。就像蝶衣对小楼。我们可以完全挑不出一个人好在哪里而依旧爱他，也可以相爱一世却依然彼此陌生。情是不需要懂，只需要服从它的安排。但四爷对蝶衣，不是。蝶衣的好处，蝶衣的美，大众看到的，他懂，大众看不到的，他也懂，就连蝶衣自己不知道的，他亦看到。四爷是如此敏感的人。他把蝶衣灵魂里美好的东西，看个通透。
一笑万古春，一啼万古愁。此境非你莫属，此貌非你莫有。当四爷说出这句话的时候，指的绝不仅仅是蝶衣的容貌。根本上，四爷与蝶衣一样，是个艺术疯子。于京戏（还有昆曲）这门艺术，他浸淫一生，奉献了全部的心与魂。正像蝶衣所说，京戏全在情境二字。因为情境，两三个龙套穿梭，便是千军万马。因为情境，空无一物的舞台上，这些人分花拂柳，翻山越岭，攻城掠地，活生生演尽才子佳人帝王将相一生的悲欢离合。京戏实在是心的幻术。而情境这个东西，看不见摸不着，可遇不可求。所以当四爷与蝶衣，台上台下，两个对京戏几近入魔的戏痴乍一相逢，电光石火间，便有云垂海立的震撼。那一刻他们的灵魂是相通的。他们都是情境中的人。
所以对四爷来说，蝶衣绝不只是一个美貌的戏子。在蝶衣身上，他看到京戏的化境。那是他一生痴狂的东西。对他来说，蝶衣已是艺术完美的象征。四爷这一生没机会登上红氍毹为他理想中的艺术奉献自己，他必须在俗世名利中打滚，这是无可选择的。但是在蝶衣为戏而痴的灵魂里，他可以看到另一个自己，纯粹的倒影。四爷对蝶衣的爱恋，实际上是有着自恋的成分，和对自身完美的期许。这样狂热的痴迷，已经分不清爱的是艺还是人。但是他对蝶衣的态度，仍是节制的。并未陷入爱之便欲毁之的极端。
事实上蝶衣的性别真的已经不是这一场爱欲的焦点。四爷并不是真正的同性恋。他爱蝶衣不是因为他是个美好的男人，而是因为他是个美好的人。代表理想中极致境界的人。相信如果蝶衣是一个女子而具有同等高超的艺境，四爷照样会爱上她。又想象，如果四爷真的爱上了某个女子，也必定会比这个女子自己更懂得她的美，她灵魂的本质——除非棋逢对手，被他遇到一个同样敏感至极的女子——不过这概率不大啊。终究这种人不会太多。
他是真正懂得蝶衣的人。他说，在看蝶衣演出时，有那么两三刻，他有所恍惚，疑为虞姬转世再现了。——其实，在这部影片的本义中，蝶衣被赋予的本来就是虞姬的灵魂。为霸王生，为霸王死的从一而终的一颗燃烧的灵魂。四爷看到的，恰正是蝶衣的本相。
不疯魔不成活。这是小楼两次用以评价蝶衣的一句话。说这话的当时，一次是在蝶衣发疯似地凄喊：“我要跟你唱一辈子戏。少一年，一个月，一天，一个时辰，都不是一辈子！”一次是在文革中，实行“现代戏大改革”之时，坚持“情境”的蝶衣在讨论会上独排众议反对现代戏（实际上反对的是对京戏的粗糙化和政治化），然后闭门不出。当小楼说“你一辈子就知道唱戏，你也不出来看看这世上的戏都唱到哪一出了”的时候，门里传来蝶衣幽幽的声音：“虞姬她为什么要死？”——小楼骂出了那句话，愤然离去。那个时候，我在想，倘若四爷在，他一定会懂得。蝶衣的坚持。对感情的坚持，对艺术的坚持。蝶衣是这样执着于理想的，纯粹的人。他的灵魂就是一股火，认准了一个方向便一路烧下去不回头，哪怕玉石俱焚。
小楼不懂。小楼与蝶衣并不相同。他是世俗的霸王，期许的是一些物质的，着实的，平凡的幸福。对这个人世，他并不隔膜。他也懂大势所趋，也懂顺应潮流。他是常人。正常，也平常。而蝶衣是疯子。终其一生，蝶衣只生活在自己的心中，只遵循自己内心的声音。他们不是一个世界的人。
而四爷，我相信四爷如果在，会懂得蝶衣。不疯魔不成活。但真正的爱情与真正的艺术，原本就是一种疯魔。蝶衣是做到极致的人。他凭借一种天赋的狂热抵达了感情和艺术的真义。
在外部行动上，四爷或许不会如蝶衣那般绝然。但，他会懂他。他们是一类人。因为过度的敏感和唯美，而经受焚炼。
四爷曾问蝶衣：“你愿作我的红尘知己吗？”——实际上，在这个红尘里（在这部电影中），蝶衣真正的知己，唯四爷一人而已。不论蝶衣答不答应，承不承认，他与四爷都已经是一对孤独的红尘知己。
小楼不是。他始终未曾进入蝶衣的内心世界。他眼中只看到一个过度痴迷于戏、过度痴迷于他的师弟。而蝶衣，是虞姬。为了内心完美的坚持而死的虞姬。小楼是寻常的人。蝶衣与四爷，是两颗熊熊的灵魂。影片中有个细节令我非常感动（令我感动的细节也太多了，姑且拣一个说）：日军占领北平。在悬着大东亚共荣条幅的戏院里，蝶衣于台上贵妃醉酒。霓裳羽衣，飘飘旋转着绝世的风华。头顶忽地撒下无数抗日传单。灯骤灭。台下喧哗。没有人再顾及台上的贵妃。一片混乱之中，唯有蝶衣，独自于黑暗之中，传单之下，继续着未尽的绝美舞步，丝毫未曾停滞。一片混乱之中，也唯有四爷，独自于楼上包厢继续目不稍瞬地注视黑暗中的蝶衣，丝毫未曾分神。
这便是艺德和艺魂罢。不问外界风云突变，不问这世上如今是谁主沉浮，也不管有没有人在看。上了舞台，是虞姬便是虞姬，是贵妃便是贵妃，黑暗中，也要坚持演完那场戏。那已经不是演给任何人看，是一场，对艺术的献祭。而四爷，即使看不见，他知道蝶衣在继续。他们对艺术如此敬重，对自己的心如此忠实。片中具有这等艺德与艺魂的，有科班的关老爷子，有蝶衣，有四爷。
当四爷孤独地在黑暗中为蝶衣鼓掌，他们之间的关系早已不是出卖身体的戏子与买笑追欢的大爷。那是两颗相通的纯粹的灵魂，在这个浮躁的世界上，值得惺惺相惜。
当骚乱的众人终于随着四爷的掌声望向黑暗中独舞的蝶衣，灯光复明，掌声四起。那辉煌的一刻。（我在被窝里攥着茶杯把激动不已）。
在国民政府掌权，蝶衣因曾替日本人唱堂会而以汉奸罪受审的时候，四爷又有惊人表现。
先是小楼与那经理拜访四爷，恳求出手相救蝶衣。小楼说救出了蝶衣，他们兄弟俩（忘了是几年）的包银全归四爷。四爷道：“没你的包银，你当我就喂不起这几只鸟了？”——可以想象，时移世易，四爷大约亦没落了。虽然，余威尚在。但这句淡淡的话，并不令人感到负气，亦不似死要面子的强撑。四爷清楚自己的底子和实力，亦懂得在渐进的没落中，如何不失尊严。也是看过了大起大落的人，知道这世上，你方唱罢我登场，兴衰原是寻常事。所谓“守得贫，耐得富”，淡眉静目之间，便是气度。
四爷当然并非贵族。但骨子里，那一种超脱于蝇营狗苟的世道之上的高绝，不是天生的贵秉，至少是强者，是智者。世路里磨出来的明净。
他仍未忘记多年前那一个“霸王回营见虞姬，到底是该走五步还是走七步？”的回合。于这危急时机，切切地提出。这是四爷于艺术的认真，亦是四爷作为一个有血有肉的人，一份任性与妒忌的心思。要折倒那个男人，折给不在现场的蝶衣看。通部电影，四爷吃醋耍性子，仅此一处，不动声色的流露。
小楼终于屈服。紧跟着是菊仙的精彩加入。痛快泼辣的言语，一字一句无不有背面文章。这一场心理速战，人性抽丝剥茧，层层尽现，好看至极。
在法庭上，面对检察官“程以淫词艳曲，辱我民族尊严，灭我民族精神”（原文记不大清，意思如此）的指控，四爷从容站起，开言：“方才检察官所说之淫词艳曲，”——静寂片刻，突然用力猛拍栏杆——“实为大谬！”全场被震得无一丝声息。四爷又说：“当晚程所唱者，牡丹亭游园一折，众所周知，乃国学文化中之最精粹。何以在检察官口中，竟成了淫词艳曲了呢？如此污蔑国剧精粹，不知是谁专门辱我民族尊严，灭我民族精神？”咬文嚼字沉沉道来，竟于法庭之中，赢得满场掌声。
这一场是四爷性格中硬、烈、猛、威的一面，最正面淋漓的一次展示。偏是用了极缓极慢，又极掉书袋的语言。正是龙虎精神，原不必大呼小叫。整部电影中，四爷没干过正事。从朝到晚，捧戏子，讨好，诱惑，调情，直至堕落畸变的肉体欢爱。但于此一场，我们就可想见这个男人若处大事，临大节，该是何等的从容不乱，何等的中流砥柱。是性命交关处，可托以大局的人。
四爷最耀眼的一刻完美地展现。正像昏睡的猛兽，平时看着也不见得怎样，偶一睁眼，便有夺星替日的光华。
跟着的，就是结局了——并非电影的结局。是四爷的结局。
四爷的结局是死。解放后，在镇压反革命分子的运动中被枪毙。
电影中看不出来四爷都干了些什么罪大恶极的事。我们只能听到一些抽象空洞的罪名，类似鱼肉百姓这样的词语，却不知他是怎样个鱼肉法。他最终的定名是“戏霸袁世卿”。在一片“打倒，打倒，打倒??”声中，被宣判以“不杀不足以平民愤”——五花大绑，推出去枪毙了。
四爷死得很惨。但在江山易色权力更迭的大时代里，那样的结局，也是寻常。政治历史，翻云覆雨，不问苍生。谁是谁非都不好说，无辜被牺牲，也只能认了。四爷冤枉与否，我们无从得知。但那样的死法必不好受（实际上怎么死也好受不了）。正是众叛亲离，英雄末路。在时代的巨力下，盖世的豪杰也只是芥尘，眼睁睁看着自己，碎为齑粉。
生命的最后一刻，充满唾骂与侮辱。被剥夺了作为一个人死去的基本尊严。没有同情的眼光。没有留恋的声音。甚至可以预知自己死后，不会有人为自己掉一滴眼泪。四爷站在高高的台上，瘦长的身子被用力摁低，颈后插着代表耻辱的姓名牌。他的名字，打了血红的叉。作为“人”的资格，已经被取消。最后几分钟的残喘，他不过是一具供人任意折磨轻侮的行尸走肉。
他被迫卑微地低下头去。
死亡只是一刹，并不可怕。但之前这精神上的摧残，令人崩溃。他必须眼看着自己孤独地走向死亡。已经被全世界唾弃。
洪亮的声音宣判了他的死亡。群众撕裂了他的姓名。在一片扭曲的人脸与沸腾的骂声之中，四爷昂然抬首，迈着四方步被押赴刑场。他的戏结束了。
四爷痴爱戏剧的一生，始终与舞台无缘。但生命的最后一幕，他终于能够在台上完成。他以最完美的姿势退出了人生。那是一种王者的步伐。那是漫长的演出里，最终的，绝世的一折。尘埃落定。人生如戏。最终，四爷不负这戏，戏，不负四爷。
他一生追寻的情境，终于以这样的方式得到了完成。
我相信当四爷迈着四方步退出，抬起头见到台下振臂高呼打倒的人群——那一瞬间，他心里对他们，是没有怨恨的。四爷心中，世情已是如此透彻，他当知道，这些人和他一样，在时代里是不能够自主的。他也当知道，这些人未必真的相信他的罪名，也未必真的恨他。他们喊，他们骂，他们打倒他，最终，他们杀了他——也不过是为了自保。而——已。浮沉乱世，人人都被诅咒。苍茫的——中国，已经没有慈悲。他一定知道。
繁华落尽。功过无言。四爷最后的脸，是一片平静。他从容赴死，不是勇敢，只是看透。
世界既已癫狂。不如，归去吧。
影片将人置于极度混乱和残酷的境遇中。于是在这样灭裂的碾压倾轧中，人性的卑劣被逼出来，人性的高贵也被逼出来。极端的环境像榨汁机，榨出人的鲜血与泪水，让银幕下的我们，闻到生命最深处的血腥和芳香。
四爷终于是归去。他退场的时候，我在心里为他打着属于一个英雄的锣鼓点。
不知道在生命的最后时刻，四爷的心里在想着什么。是这一生纷红骇绿的奢靡，是曾经的罪孽，是京戏昆曲，还是那个电闪雷鸣，于大雨中持了宝剑勾了脸谱与蝶衣对演别姬的夜晚。或许，他什么也没有想。雨水中，蝶衣溶化了的凄艳妆容。凤眼朱唇，胭脂红泪。定格成四爷心中的永恒。
看到后来文革的戏，小楼在逼迫下屈服，为求自保当众揭发蝶衣。又与菊仙划清界线。我知道那乱世人性，无可厚非。但，我也知道，倘若四爷还活着，倘若四爷遇到相同的境遇，必不如此。
小楼始终是平凡男子。京戏于他，只是谋生的技艺。感情于他，亦只是人间幸福的寄托。因此受到外界巨大的压力，他可以放弃这一切。但是对蝶衣，对四爷，那是生命的终极归宿。不必刻意坚持，已是共生共存。研丹擘石，赤不可灭，坚不可夺。
虽然，在疯狂的社会里，是否忠实于自己的灵魂，一样都没有好下场。小楼随波逐流，蝶衣与四爷坚
持追寻，到最后，玉碎，瓦亦不能全。在多少追问与挣扎之后，电影留给我们的，只是一片荒凉。
这一生，小楼竟不是蝶衣的知己。他只是一个舞台上的霸王。一个渴望寻常茶饭、妻小天年的男子，承受了一段强烈的宿命的感情。他所求的平淡生活，终于被这段感情毁灭。
其实真正的霸王，是四爷。一掷千金的看重。刻骨的了解。相通的灵魂。直至最后末路英雄式的退场。他全部具备了。
我对四爷最后的定义是，他是一个悲哀的霸王。没有被虞姬爱上的霸王。
霸王别姬。这一世，霸王与虞姬在轮回中错过。
片中几个主要人物，小楼，蝶衣，菊仙，性格在开始时都是模糊不定型的。在影片的演进中，他们的个性亦在情节里一点点同步成长起来。随着际遇的跌宕，他们也在不停地变。唯有四爷，从出场便已经是一个完成的生命。所经历的一切，不过是这里那里地将这个灵魂展现出来。四爷始终是四爷。是片中一个已经定型的成熟的男子。
葛优的表演，拿捏得恰到好处。低沉的声音，不焦不躁的眼神，台词微妙的顿挫与那高瘦身躯的肢体语言，在在刻画出一个戏剧国度里的霸王——戏霸，袁四爷。于是令我猝不及防，偶然间，心似缱——呀，就这样，轻轻地，爱上他。这个磐石一般的男子。
又有英雄气度。又有儿女情长。又会成功，又会享受成功。又视死如归，又心细似发。又敏于艺术，又透彻，又执着，又懂得所爱的人（不论是男是女）——这样的电影中的男子啊。
倘有霸王，女人当然宁作虞姬——但没有。所以我们只能好好生活，天天向上，不要为谁拔剑抹脖子，细细打算以后的幸福，然后看了电影哭泣，徒羡蝶衣。
——现世中，四爷难寻。
怎样评电影的开头与结尾
编辑：沙漏来源：网络时间:2011-07-26 14:55
影视片是一个整体，这是大家都知道的，但是作为局部的开头、结尾，具有对艺术整体的必要的组成意义以外，还有着深化作品意义、构成作品艺术巧妙性的特殊意义，可以在未脱离影视片总体的前提下，单独地回味和评论。
好的开头，应当具有这样一些基本的特点：
（1）在故事叙述最合适的地方开始。在这里当然没有统一的尺度，要结合具体的故事内容。
（2）吸引观众。故事开始了，要吸引观众的注意力，并非易事。要使他们能认真地看下去，引起一定的兴致又在故事进展过程中感受到艺术品味的审美满足，需精心设计、构思。能够尽快地吸引观众，才算得上好的开头。
（3）交待清楚、利落。对事件、人物的交待，是影视片开头必须要做的事。能否把故事开始之前的部分，除了应有的故意留的悬念之外，在短时间里交待清楚，而又自然地体现在故事中，使人不感到是故意在交待，并不是很容易的。
（4）自然地发展。故事开始了，既要照顾到交待人物、事件，又要吸引观众，还不可忘记让故事进行下去。
综合起来，好的开头就是要在影视片开始的几分钟到十几分钟之内，引动的注意力，交待清剧情，并使剧情开始发展。
好的结尾，也具有一些基本特点：
（1）收束适宜。在问题解决之后，或悬念澄清了，观众心中的疑团解决以后，就应当马上结束全片。
（2）留有余味。或者为了强化主题，或者为了揭示人物的命运，不管如何，作品的结尾都应考虑如何使观众留下深刻的印象。这包括在：思想的力量，撼动人心；艺术表现上的独创，满足观众审美需要。不同的结局，可以表达出不同的生活意义，给观众以不同的感受。抓住这种欣赏感受加以思考，来展开评论，是进入艺术分析的有效途径。
故事的结尾，有两层意思。一是什么样的结尾，即构成作品内容的结局是怎样的。它是与主题的表现、人物的命运都息息相关的。二是它是怎样结束的，即怎样来使艺术作品的形式终止。它既是表达内容的一种手段，又是构成艺术性的基本要素。作为内容的故事的结局，。与作为形式的作品的终止，应当是和谐的。
评论开头与结尾，可以单独进行，也可以结合起来进行。单独评论开头或结尾，可以就不同影视片的开头或结尾来展开，也可以就不同影视片的开头（或结尾）来进行。同时评论一部影片的开头和结尾，应注意到这样一些方面：
第一，两者的关系。他们是怎样联结的，有什么样的联系，共同其着什么样的作用。
第二，两者的对找照。从开头到结尾有什么不同，有什么相同，这寓示着什么样的艺术意义，在艺术上有何特点。
第三，两者的意义。他们在表达主题方面，它们在对整个艺术结构的完整性方面有何意义。
第四，在艺术上的独创性如何。首先看他们在是否在具有艺术上的独创性，再就是看他们在艺术创造上有怎样的意义。
《艺术人生》分析
篇二：优秀影评例文
都是你的错，“天涯”惹的祸
——谈MTV《天涯》中好莱坞与MTV特点的结合
“都是你的错，一个人的错，??”张宇的歌告诉我们，大家都知道这其实是月亮惹的祸。然而，当我听完了《天涯》之后在自己内心深处产生了一种磁力的感觉时。那么，我想，这就不应该归咎于月亮的原因了吧！究其原因，我喜欢《天涯》的原因应是其中的某种魔力，当然这其中的魔力就是本片好莱坞风格与MTV自身特点的巧妙结合。
‘好莱坞’这个词或许对我们大家来讲并不陌生。然把这种风格应用于MTV作品则实属罕见，而《天》确又在这方面开了个好头，我们不能不对其中的高妙之处产生敬佩之情。众人皆知，好莱坞的电影应该是属于戏剧电影美学体系的，这也是其之所以能征服全球的绝技。那么结合MTV作品《天涯》，笔者觉得本片呈现给世人这方面的特点则是一览无余的。其一想说的就是片子的结构。好莱坞的电影以票房至上，为了能让观众喜欢的绝招那就是首先应让观众看懂，这就落脚到我们所说的结构的清晰又简单上了。这当然是好莱坞的片子了，其实爱乐团的《天涯》同样也是如此，故事没有一个人看不懂，歌也没有一个人听不懂，就是结构上也遵循着戏剧基本模式，开端、发展、高潮、结局一应俱一。前1分钟时间那简单的又富有机械感的声乐的声音，我们可以视为开端，中间的几句重复，“迎着太阳看着远方，我只要你的一个承诺，无论你这话是真还是假，我愿陪你走天涯??”应是高潮，那么，结局的古筝配乐应是结尾，不知观众对本片这种安排就借鉴了好莱坞电影结构的感想如何，再说人物形象塑造的定型化特点，这是好莱坞类型片的特点，那么本片这方面的特点也显露无疑。好莱坞的帅哥美女，本片同样也有，但好莱坞的好与坏，善良与丑恶在本片中则以现实的帅哥美女与过去的女侠与神童出现，虽与好莱坞不能说完全相同，但都大同小异。看过片子的人皆知，它是电视剧《谍海天涯》的片尾曲，片子分过去与现在的两种表达方式来进行MTV叙事，但为了迎合上面提到的结构清晰特点，《天涯》就在人物形象的定型化上下了不少的功夫，现在的场景用比较现代的服装和暖色的灯光来打造现世的感觉，而且也时常出现一些动作性较强的场面，（如弹电Bass的场面）；而打造过去的场景时又不忘古典式服装与冷色灯光的运用，就是背景的打造也与电视剧原作不谋而合，况且这种场景只会出现在歌词“我只要你的一个承诺??我愿陪你走天涯”等，那么这种不同时期依特定方式对人物进行定型的方式对现在与过去距离的拉开应是大有捭益的。就到了好莱坞特点的这两个方面，我们再看看片子对惟美主义风格的追求。其实惟美主义也是好莱坞电影所着力追求的一个方面。即力图通过故事、画面、音乐等方面的视听性因素的惟美化来令观众养眼。当然《天涯》这部片子在这方面做得可以说是同样精彩。现实场景中的女主角灯光的运用较为柔和时，采用的是桔红色的暖灯光给人以饱满柔和的感觉，给人当今世界中的观众一种女侠客般的热情与奔放，而对服装的搭配则是较为宽松的衣带则会给人一种飘逸的感觉，就这个方面的打造也是与其想塑造现实世界反侠客般的精神也同样是不谋而合的。而对过去人物形象的塑造则应用的是冷色的灯光，服装则是侠客式的古装形象，冷色与古装的运用一方面能与现实拉开距离，另一方面则又很好地打造了真实的女侠形象，足见《天涯》在现实与过去的灯光、服装的运用也都在围绕“天涯”二字作文章，真可谓是用心良苦。当然了，作为新出道的两个MTV歌手，善于从好莱坞戏剧电影中汲取营养，一方面能弥补他们刚出道而没有成熟路子借鉴的遗憾，又能印证了他们对于视听艺术特点又是有了非凡的把握能力。但说到这，有一点我们还应对齐白石老先生的一句话有一个清醒的认识：“学我者生，似我者死”。的确，一个艺术家之所以能称之为一
个艺术家那么相必它就拥有自己的特点，那怕是他借鉴的再多。爱乐团也没有例外。依我之见是在这部片子中他们又把好莱坞的戏剧风格又充分地融入了MTV式的特点。
MTV，是电影的一种类型。说到底，它就是音乐电影。结合本片我对MTV的以下几个特点印象特别深。MTV利用自己的视听性来充分展示其动态性与节奏性这是其一。音乐能打动观众的一个重要方面就是与节奏性都较为注重，那种节奏缓慢且动作性不突出的作品只能令观众窒息。《天涯》的开头部分声乐节奏较慢，器乐是旋律较为单一的Bass音乐，而且画面较多地运用了长镜头来展现天使的画面，这就会带给观众节奏抒缓的感觉，而高潮部分则在画面部分一反常态的运用了较为频繁的过去与现在间镜头的切换，并且声乐的节奏较快，极高的Bass音都给人以一种急切的欲望，而且这时演员的动作性也得到了恰到好处的发挥。《天涯》的节奏性可谓是“一张一弛，张弛有道。”充分利用片子资源，凝炼明了则又是MTV的第二个特点。MTV毕竟是一种小场面小制作的艺术，这在下面会提到，论规模也不可能与一些大片相比。所以，利用有限的MTV视听资源来进行最大限度的演绎，对于MTV作品来说显得尤为重要。由此，简单凝炼又应是MTV一个不可争辩的特点，而《天涯》正是利用了这个特点来打造了上面提到的节奏性与戏剧性，歌词较为简单“几到这里就停??，我愿陪你走天涯”，不外乎是这段歌词简单重复。但它却令人产生了极深的印象。还有结构的塑造也是过去与现在两段模式。这在上面已经说过，在此不再一一赘述，就是说到对演员的启用也不过是简单的几个人物，而不至于令人眼花瞭乱而摸不着北。最后要是谈到旋律的话，它也只是简单旋律的3次重复。唯一不同的是最后的古筝，然它又以简直明了的方式深深地勾住了观众的魂。反正一句话“天涯不求细功出巧话，只重简单夺人。”说到MTV作品的第三个特点就是小投资、小场面、大轰动。众所周知，MTV有着用时少，拍摄条件方便，开支小的特点，但它又会产生非同一般的社会效应。其实，也倒未必那么简单，以再简单不过的方式产生最轰动的效果，可以真正算得上“小题大做”了。看完了MTV《天涯》之后，我对这方面的理解可以说是印象就更深了。一把电Bass，顶多再加一个古筝，而且依靠几个刚出道的年轻演员，再加上简单的室内景与灯光，预计用不了几个钱。然而，我却又被它深深地迷住了，我真佩服这部MTV导演对其内含的阐释能力。总之，《天涯》对MTV自身特点的理解可以用一个字来概括：好！
“我只要你的一个承诺，无论你这话是真还是假，??”听着听着耳边响起了张宇的《雨一直下》中的“都是你的错，一个人的错??”其实我知道这不是月亮惹的祸，而是《天涯》那MTV+好莱坞的模式惹的祸。
文 阿汤
一次心灵的洗礼 一次庄严的注目礼
-----纵观影片《可可西里》
《可可西里》是陆川用镜头谱写的一曲英雄悲歌，直到电影结束很久，这悲歌依然在众人心头萦绕；当那些藏羚羊挣扎的身躯、抽搐的四肢残酷而真实的出现在眼前的时候我们的心是痛的，而当那些血红的骨架、遍野的羊皮以及为了5元钱而剥羊皮的麻木牧民的镜头出现时我们已经愤怒了。
然而只是愤怒而已，现实不因为一个旁观者的愤怒而改变。
导演陆川用他质朴的镜头语言，安静流畅的叙事手法再现了这样一个光明与黑暗、理想与现实、生命与死亡交错纠缠的残酷悲情故事。我们在乌烟瘴气、物欲横流的世界里生活的太久，灰尘早已
经蒙蔽了太多人的心灵，太多的人早已经麻木到没有表情，没有知觉了沦为帮凶，沦为看客，沦为行尸走肉；导演试图通过这样一个故事对麻木的人们进行了一次良知的呼唤，精神的洗礼，《可可
西里》她做到了。
可可西里在蒙古语里的意思是美丽的少女，这大抵又是一个意淫者起的名字，这也是一个不详的名字。 美丽少女是悲哀的，从古自今多是被财富和权势占有，沦为玩物或者花瓶，而财富和权势的背后又有太多的罪恶，所以美丽的少女从古自今多是和罪恶共存；在道德和法律失去约束力的时候，美丽少女又会被普通如你我的男人凌辱，被老女人丑女人的嫉妒眼神杀死唾沫淹死，这样的故事在《狗镇》里被拉斯。冯提尔用放大镜赤裸裸的展示出来；即便是《西西里的美丽传说》中美丽少妇也一样难逃厄运。总之美丽的少女的命运多是凄惨的，这也印证了 “自古红颜多薄命”的这句古语。 所以，当一个地域被人用“美丽的少女”命名的时候，这里一定是危险的，是注定要被欲望、罪恶、死亡笼罩的地方。对于可可西里，我宁愿把他翻译成“美丽的藏羚羊”，因为那里几万年来一直是藏羚羊的天堂乐土；而如今这美丽的藏羚羊的家园被人类肆意践踏，她们也被人类残酷蹂躏，可以称之为人类在轮奸藏羚羊。 那么人类为什么要轮奸藏羚羊？因为有些女人要用羊毛装扮的更美丽、于是有些人便通过猎杀藏羚羊以满足金钱欲望、还有一些人只是为了生存！这些美丽的女人、疯狂的偷猎者、麻木的民众都是对藏羚羊进行疯狂****的实施者，当然还有我们的无为政府。通过影片我们看到一群悲壮的英雄和他们荒谬的生活现状；我们看到一群理想主义者的弱小和悲哀，我们欲哭无泪！一群连几百元工资都不能按拿到的英雄在为了保护藏羚羊而奔波卖命，可他们自身却没有得到政府应有的保护和支持；他们或饿死，或被盗猎者打死，或被流沙淹没，他们并不如一只藏羚羊活的轻松，可是他们却背负者崇高的理想沉重的责任艰难的生活。后来他们幸存下来的竟然有8人被政府起诉，判刑，理由是他们私自卖了从盗猎者手中缴获的藏羚羊皮，这真是莫大的悲哀和超级讽刺，人们那本已被影片震撼而热血沸腾的心又被这现实的荒谬击的支离破碎！无奈的现实终归是无奈，纪实性电影语言比想象的更简洁有力，以一只藏羚羊和一个巡山队员被残忍杀害的场景为电影序幕，在后面的叙事上都是按照简单的顺序方式拍摄，没有更多的戏剧冲突，没有跳跃的剪接，但却能紧紧的抓住观众的心，观众被影片中残酷的生存状态默默的感染，不由自主的把自身情感和影片中主人公们的命远相连；影片在的开篇手法，叙事手段以及影像风格上与柏林电影节获奖影片《盲井》都十分相似，而导演在结尾的处理上要比《盲井》更冷静，没有任何暗示，“砰” “砰”几枪，队长日泰和藏羚羊一样抽搐几下死去，观众被这样一个突兀的结局震撼、欲哭无力。影片不矫情，不造作，就这样简洁而朴实的深入观众内心深处，揪一把观众的心。 《可可西里》在影像风格上，拍摄手法上与陆川的第一部作品《寻枪》都有着天壤之别，如果说拍《寻枪》时陆川还是喜欢杂耍的卖弄技巧的毛头小伙，那么《可可西里》中通过这个冷静到让人心里发
毛的结局处理可以明确看出他已经成长为一个务实的外表冷静而内心火热的成熟男人！陆川自编自导，并能够跳出电影叙述本体冷静而客观的拍摄这样一部大气厚重的作品，突显了他天才的电影才华；而从他的选择视角上也可以看出他的人文关怀和悲悯情怀；当我们太多的导演早已经沦为金钱和名利的摇尾狗，只会投机专营和无病呻吟时，我们除了失望还是失望，如今通过《可可西里》看到另一个陆川，看到中国电影的希望，所以陆川是值得我们期待的，他成为继贾樟柯之后让又一个让我敬仰的中国导演。欣赏《可可西里》唯一感到不满意的地方上是在这样一部男性的叙述光明与黑暗、理想与现实的影片中出现了两个不该出现的女人，第一个是日泰的女儿，出现的
次数过于频繁，时间过多，演员表演时眼神过于暧昧；第二个女的形象可悲，车中做爱的戏完全可以忽略，如果按照贾樟柯的处理方式：给此女子一个背影或者一个持续的细微动作就完全可以表达
的更恰当和深刻！
可可西里本是我国最后一块保留着原始状态的自然之地、最大的无人区、野生动物的天堂，如今却受到来自人类最危险的入侵。偷猎者的枪声和车轮声打破了哪里的宁静，野生动物们从此不得安宁，就连巡山队这样得保护者同样也会对那片土地产生破坏作用；影片中卓乃湖那场戏中可以看到那纯净的高原湖泊边立着两个废弃的油桶，相信这是导演刻意安排的；而后面的剧情发展中巡山队员相继用汽油点燃了羊骨骼、废弃汽车，甚至抛下完整的汽车，而这些都是严重的污染物，如此
长久下去，既便是保护，可可西里的美丽也将会慢慢的被人类破坏！
如果说通过建立自然保护区可以对可可西里藏羚羊进行保护，如果说汽油和废汽车对那广袤的土地污染还是很小的；那么青藏铁路贯穿了整个可可西里，并切断了藏羚羊的繁殖与迁徙地，这才是最恐怖的，才是给可可西里，给藏羚羊最致命的破坏和打击；然而这却是属于政府行为，是众多的专家论证通过的。呜呼哎哉纵然那小小的自然保护区工作人员多么卖力保护也经不起青藏大铁路上的一声火车长笛的破坏。 国家为了发展要修铁路，要破坏自然环境，另一方面又装腔作势的去保
护；这样的保护又有什么用呢？在利益面前国家和偷猎者一样是没有良心的！
当人类发现一种物种的巨大利益时，这个物种离灭绝已经不远了。既便被保护起来的也不过是人类为了更长久的占有他们，既便残留下来的也不过是被人类暴力强暴后诞生的杂交品种，失去了他们原有的天性，沦为保护区或者动物园里的展览品！ 其实世间万物自有他们的生存法则，该灭绝
的自然会灭绝，保护有何用？当人类毁灭完一切美丽事物后也注定是自我毁灭！
但是话说回来，我们每个小人物自身并不比藏羚羊更安全和幸福，也会随时成为利益的牺牲者，
这就是自然界残酷法则！
咬什么怎么咬
影片<<开往春天的地铁>>特定镜头解构
有人说,<<开往春天的地铁>>属于中国第六代电影导演的典型.片子的特点就是拿现代主义艺术的架子来吓唬人.更有人说,导演张一白以初生牛犊不怕虎"的态势制作的<<开>>片太远离观众,简直给人以丈二和尚的感觉.或许,他们的说法有一定的依据,可是细看此片的观众就会发现:其实这部片子也没有有些人说的那样的曲高和寡,相反倒有着极强的亲和力.因为单就一个"怎么咬"的特定镜头就咬住了里面太多的东西.
或许观众对影片中的一个场面仍然熟悉,那便是其中"该怎么咬牙"的亲昵镜头.可能有些观众朋友或因一时疏忽,或因觉得它太普通,而放弃了对它的关注.然而,对这个镜头仔细思量之后,我知道其实这并非一个普普通通的戏谑镜头,反而这里面倒充满了颇多的咬头.经过一番分析之后,笔者认为本镜头最起码咬到了影片中的下面的几个方面,本文试就这几个方面来谈谈自己的浅陋之见.
咬电影叙事结构与流程.虽说真正的精彩之处还应在片子视听因素的处理上,而电影的叙事流程只会令观众读懂影片,但塑造清晰的叙事流程还是大有必要的.否则的话,它定会重蹈历史的覆辙,这
在历史上是有血淋淋的教训的.这一点谁应当都不会否认吧!<<开>>片中对叙事流程的成功把握与"咬"的镜头就有着千丝万缕的联系.其实,<<开>>叙事方式是想在时间的概念上下功夫来突出对比,因为<<开>>片名的象征意义本来就是无可厚非之事,显然这个特定的镜头与影片两次建斌.小慧两人傻乎乎来北京面对观众宣誓的镜头,在影片中所起的作用是可以说是相辅相成的两个方面.还有,影片表达到咬镜头时,特意用了片中罕见的长镜头,这很明显是为了吸引观众的注意力,同时起着解释丰富影片表述结构的作用,那么这个镜头再与现实的场景同时出现在观众眼前之时,,观众会不会想到此地所起的效果更是为了进一步解释上面所提的两个重复镜头呢?还有影片中疾驰而过的地铁作为导演手中的道具对隐喻时间的作用也同样不可低估.因为地铁是他们七年的见证.倘若观众抛开这里,可能会对频繁出现的地铁,持有难以理解的观点,然而结合这个镜头来理解的话,我想我们不难推出这更是推动情节发展的结论, ,足见,这两个地方的结合也极力的解构了影片的叙事流程.因此由分析可以看出,"咬"的镜头通过时间上的对比咬住叙事结构,咬住了叙事的流程.
"咬"电影的特技.电影特技是反映一部片子水平高低的关键性因素.当然,对于一部现代主义气息浓重的青春偶像剧来说更应如此.概括的说<<开>>片此镜头对电影特技的影响可以分这样的两个方面来理解.众所周知,快节奏应是青春偶像题材片所惯用的方式.当然,本片对镜头的选择也多数是用短镜头来诠释内容的.然而细心的观众又会发现"咬"镜头又出奇地运用了长镜头来表现,这一方面使得本片的节奏放慢,给观众以松弛有度的感觉,这种人性化的镜头表述方式明显的给人以喘息的机会,这对观众进一步理解影片不能不说是一件好事,更重要的则是这个地方长镜头的运用与现实残酷的场景形成对比,这就会使观众自然而然的产生了对影片现实的厌恶感,这又与下面将要分析的片尾声乐所起的效果就不谋而合了.还说，此镜头对电影片尾声乐的影响,音乐是影视作品中的一个重要的视听因素,所以,成功的运用电影音乐对表现片子内容的作用也是可想而知的,而此镜头的运用就是与片尾声乐有着特别亲密的关联.一句"该怎么咬"确实会令观众对他们二人的结果想法颇多,而片尾音乐对电Bass.钢琴及架子鼓的运用及羽泉那沙哑又略带沧桑的嗓音就令我们想到了这个地方起到了烘托影片气氛与深化主题的作用,观众的忧伤之情也油然而生.这显然给了此镜头一个极好的答复.说到此,我们不得不佩服对电影特技与此镜头结合能力的运用.
"咬"观众心理.电影观众是保证影片成功的最终因素.可见,采取精明的措施调动观众的欣赏积极性对于电影创作人员来说应是最切要之举.其中,想调动观众的欣赏积极性还应从观众的欣赏心理因素做起.结合<<开>>片,我们可以发现,本片就在这方面做的技高一筹.一句"该怎么咬"不仅会另观众想到"咬"的过程,而且使其想到咬的最终结果.从咬的过程来看,本片运用段落之间的黑场与镜头间的突兀对比显然使观众认识到了理想与现实的残酷,更会使观众落下几滴眼泪应该没问题.再来说咬的结果，在片中既然有小慧那么亲昵的问建斌该怎么咬,显然会引发观众对结果的密切关注.因此,观众可能会苦于从片中找结果,而影片给观众的结果最终又是"明天再说好吗 ?"虽然片子没有给观众既定的结果,反而这更会引发观众对影片结果的深思.可以说,这对本片成功表现导演创作意图来说作用是巨大的.或许,观众会觉得这个镜头咬住了这,咬住了那,反正咬住了观众的心是真的.
"该怎么咬啊?"就是这么咬.的确,这不经意的"咬"咬住了我们太多太多!
文阿汤
篇三：影评范文
影评范文：（共五篇）
她是“法国中尉的女人”
——《法国中尉的女人》影评
在维多利亚时代，影像中的影像，她——萨拉，是“法国中尉的女人”。杂乱而干枯的头发，消瘦的锁骨，萨拉的出场足以让人跌破眼镜。繁忙的市场，波光粼粼的海，这样一个不修边幅的女人迎着呼啸海风，走向延伸到远方的海堤。初到林城的考古学家查尔斯就这样鬼使神差地被它吸引，放下娇美的未婚妻毅然冲了过去。水雾弥漫中，萨拉转身，查尔斯立定，画面定格，一瞬间的眼神交汇，不知从何而来的金光照亮了萨拉苍白的脸颊。电影史上最浪漫的一见钟情！阳光下的森林，浓郁的绿，闪烁的点点金黄，而人的再次相遇只是一场追逐的游戏。纵然是心中相爱，萨拉这样一个倔强的女子还是可悲的骄傲着。当他为生活所迫而拜访恶语相向想象的普太太，看似顺从，然则眼中尽是孤傲。孤傲，是孤独和骄傲，是在黑暗的房中抱着镜子做自画像，是她自暴自弃地说，“我和羞耻结合，羞耻让我活下去！我是法国中尉的娼妓。”
但她更是一个因孤独而渴望爱的凡是女子。所以当她回忆那个带来羞辱的男人时，眼中人闪着爱的光芒。“他很俊俏，他赞美我美！”她嘴角含笑，温柔的抚摸着头、脸，沉浸在回忆中。因为爱，她不惜撒谎说自己已失身，以博取查尔斯的同情。因为爱，她会在孤立无援时求助查尔斯，却在查尔斯到来时徘徊与不安。因为爱，她与查尔斯在林中小屋情不自禁的拥吻，会心甘情愿地在伦敦小店与查尔斯结合。也因为爱，她扔下一句“是你给了我活下去的理由”，仍下决心一定的查尔斯，远走他乡。三年后，当查尔斯在一方宁静的村庄再见她时，已不见了当初的阴霾与忧虑，退下晦暗的黑衣，一袭简洁、光彩的白衣，一头蓬松的金发的萨拉正式张显了她无可比拟的魅力。而影像的最后，二人终是摆着小舟泛向光明、广阔的湖中心。
在小说中，作者始终不放弃对“叙述者”角色的审视，他时时会游离出这个看似传统的维多利亚时代感伤故事，直接地告诉读者，他并不了解人物的内心世界，也不能预计故事的下一步发展。他一直喋喋不休地分析罗列莎拉的历史现状、心理症结，却又不得不承认，自己对莎拉的行为无法解释。那么在电影中，导演就应该通过摄影角度、场面基调等的设计，使观者惊觉到这只“眼睛”的存在，而不是维持一种流畅、“真实”的叙事幻觉。在这一点上，电影《法国中尉的女人》几乎毫无意识，它完全摒弃了小说元叙述视角的犹豫，承担起典型全知全能叙述者的角色。统观整部影片，不仅不见摄影机彰显其视野限制，反而是它时时地提醒着观众，下一步应该朝哪里看，应该看到什么。从一些资料上看，罗伯-格里耶的影片象他的小说一样对这一问题进行了极端的探索，可惜没有见过。
在20世纪的片场，影像中的现实，萨拉的扮演者——安娜，查尔斯的扮演者——迈克，一对有夫之妇和有妇之夫，毫不避讳的在一起。与维多利亚时代的灰暗色调相反，20世纪的片场，安娜与迈克衣着光鲜，神采奕奕。安娜美丽、迷人，家庭完整，事业成功，还有体贴的情人，似乎无甚缺陷。可为什么她在若有若无间总会出现比戏中萨拉更加落寞的眼神呢？望向远方却无焦距。偷偷摸摸的电话传情，心怀不轨的家庭聚餐，带给安娜的只是疲倦吧？看着查尔斯太太精心布置的花园，可爱的孩子，安娜一定也是嫉妒了。因为那个一向自信的安娜在查尔斯太太凌厉的眼神下肢生不知所措和尴尬了。两个都市中的成功男女因为寂寞空虚而靠在一起，同样因为爱的无力而分手。麦克最后对着安娜背影喊出的“萨拉”也许是对这段感情划下的最悲情，却也是最合适的句号。还好，现实中失败的这对男女为影像中的萨拉于查尔斯安排了一个光明的结局。这，是爱得不甘，还是，爱的转移呢？
一对中世纪冲破世俗礼教，终成眷属的苦命鸳鸯，一对现实中身未动心已远的寡情男女。电影《法国中尉的女人》就是如此娴熟的展现出两个不同时代的爱情（我们姑且都称之为爱情吧），如此尖锐的揭示中世纪的古板，当代泛滥的自由。这样戏中戏的套层结构，精致而又巧妙的展示两段情愿的不同走向：一段渐行渐远，一段终成交集。简洁的闪回手法，导演恶作剧似在两个世界间翻云覆雨，并且游刃有余。维多利亚时代的灰黑色，20世纪的斑斓、鲜艳，强烈的对比，甚至不需要更多的演员及台词。最高明的电影也只不过如此：以色彩书写影像。而最高明的演员又能如何呢？萨拉对爱的倔强、执着以及骄傲，安娜的空虚、疲倦以及对爱的无力，一人分饰两角的梅丽尔·斯特里普将人物性格刻画得入木三分，却又火候恰当；似疯成魔，却又不温不火。
当然，梅丽尔·斯特里普可不仅仅是《法国中尉的女人》中的萨拉或者安娜，也不仅仅是《走出非洲》中的男爵夫人卡琳，更不可能仅仅是《穿Prada的恶魔》。但，此刻，请允许我叫她“法国中尉的女人”，不是空虚，疲倦的安娜，而是历经苦难，收获幸福的萨拉——“法国中尉的女人”！
重生
——《法国中尉的女人》两个故事的对比
电影《法国中尉的女人》用两条线索贯穿，通过时空交错的方式展现了两个不同时代，男女之间情感的困惑与选择。影片的主线索是展现一对维多利亚时代具有独特个性的莎拉和贵族青年查尔斯的爱情故事，而另一条线索则是反映两个演员安娜和麦克在拍摄主线索这个故事时所产生的感情。《法国中尉的女人》采用了套层结构，即戏中戏的形式，反复运用蒙太奇形成古代与现代相互交错的效果，将故事合理的连接在一起。
《法国中尉的女人》中，两个线索同时进行的过程中，流露出古代与现代之间的对比。一百多年前的维多利亚时期，是一个封闭、保守、极具有传统等级观念的时代。纵然莎拉受过教育，爱好绘画，但她出身贫寒，其社会地位不允许她施展艺术才华，也不允许她有爱和思考的自由。影片为观众呈现了一个冷酷无情、等级观念深重的维多利亚时期。或许正应了那句“哪里有压迫，哪里就有反抗”吧，莎拉有着明确的目标，渴望摆脱受束缚的生活，希望能自由的享受着爱与美好生活。面对不公平的命运，莎拉选择抗拒。莎拉单纯的心因被曾经爱过的法国中尉抛弃而受到伤害。自此莎拉或许是持着报复的心态，或者是受强烈的渴望自由的欲望影响，她不惜毁坏自己的名誉，将自己定位于“法国中尉的女人”这样一个受人轻蔑的形象。相对于莎拉来说，在实际拍片现场的安娜，生活在文明高度发达的时代，是一个自由、开放的世界，没有过多的束缚和禁锢，并且具有更多的自主性。随着安娜拍摄电影的深入，她与饰演查尔斯的麦克产生了感情。影片在此时，运用平行、对比等蒙太奇手法，不断的进行着两个时空间的对照，借以突现出两个女主人公截然不同的生活环境以及性格中的共性与不同。电影《法国中尉的女人》一古一今的故事结构赋予了影片多变性，从而能够吸引观众关注两个不同时代命运的人物。
影片中表现莎拉时始终采用昏暗的色调。由此来表现莎拉情感的压抑、矛盾，孤傲、冷漠性格。在莎拉与查尔斯在树林约会这一场景中，那些盘根交错、粗大阴森的树木，无形中给观众一种强大的压力，导演巧妙的运用这一场景既表现出了古代时期封建保守的社会环境，受到压抑、束缚的感情，同时又达到了一种强烈的视觉冲击效果。电影《法国中尉的女人》，在故事结尾，莎拉再次出现在镜头中时，其色彩基调则是明亮的。这种色调的转变也暗示观众，莎拉生活得到了一个全新的转变。与查尔斯结合而又分开三年后，莎拉仿佛获得了重生，她得到了真正的自由，没有任何负担、束缚的追求艺术，寻回自己曾经遗失的那份真爱。影片中，莎拉与查尔斯重逢，船从一个灰暗的桥拱下划过，然后导演将镜头处于一种静止拍摄状态，让两人坐的小船渐渐远离镜头，并且画面色调变得愈加明亮。通过这组镜头，折射出莎拉真正摆脱痛苦、束缚，饱经磨难的恋人获得了重生后来之不易的爱情。
在现代故事中，影片的色彩基调大都是明亮的，这就突出了现代女性所具有的自主性，形成了与套层故事中人物性格的鲜明对比。影片最后，安娜饰演完莎拉这一角色后，重新审视与麦克感情并选择离开麦克。而最富戏剧化的一幕是在最后一个镜头，麦克推开窗子想对安娜做最后的挽留时，脱口而出的那一声“莎拉”让观众顿时从对麦克背叛妻子感情的厌恶中得到释放。镜头给麦克特写、定格时，从他的表情中观众多少也能体会到，他与安娜那段感情究竟是源自内心深处的真爱还是所谓“入戏太深”的意乱。或许此时彼此的心灵都得到了洗礼，获得了重生。
电影《法国中尉的女人》以现代故事作为结尾，与影片以套层故事开机镜头作为开始达到了首尾呼应，而且不突兀，真正达到戏里戏外、始末都相互对应的效果。整部影片多次运用蒙太奇手法，以时空间转换达到自然转场的效果，可见导演驾驭镜头，淋漓尽致描述、展现故事的能力。两条线索同时进行做比较，引导观众思考社会中的道德标准和爱情的自由之间能否达到一种平衡，同时也使得
电影更具有戏剧化的效果。另外，影片色彩基调前后的鲜明对比，从侧面更有助于故事内容的表述，观众也可从中把握情绪的变化。
去爱吧，就像从来没有受过伤害一样。
——评《法国中尉的女人》
回首纵观，梅丽尔斯特里普塑造的角色，就如同一本女性二十世纪的女性百科全书，凝结了凝结了上个世纪所有女性隐忍错综的痛苦欢乐，爱恨情仇，与生离死别。而在《法国中尉的女人》扮演的莎拉，更是将人物身上的那种异乎常人的神秘，心如磐石般的对自由的向往，与超越道德伦理的对爱情的执着，刻画的栩栩如生，感人肺腑。
影片的开端是以一个照镜子的妇女的特写镜头开始，一个头戴黑布的女人背对观众，只能从那手掌大的镜子些许窥见：炯炯有神的眼睛，白皙如纸的皮肤，美丽的脸庞有些憔悴。嘈杂的画外音里，海鸥的鸣叫声自然却又刺耳。在一声 开始 的喊声之后，画面变成了一个片场的全景镜头，一场现实与虚幻纵横，时间与空间交错的戏中戏便这样开始了。
莎拉头戴黑布，身着黑衣，与周围灰蒙蒙的天空，影调暗淡的世界互相融合，一种压抑与低沉感觉油然而生。当莎拉站在那个风浪交加，岌岌可危的码头时，人物渺小的好像随时都会被风雨淹没。无助，绝望，却又顽强的站在那里的莎拉，好似《老人与海》里的桑迪亚哥。因而当查尔斯站在他的身后深情的凝视着她的时候，在那个灰色的小镇，阴霾的天气，狂风与恶浪扑打在那狭长危险的防波堤上，两个人之间的距离被形象的描绘出来。在他们的面前，不只是恶劣的天气，更是维多利亚时代森严的等级制度，处在舆论风口浪尖的嘲讽，与无时无刻不束缚人性的所谓的道德伦理。
但好在付出总会有回报，莎拉与查尔斯在经历了常人难以理解的艰辛，穿越了世俗的枷锁之后，有情人终成眷属。在爱情面前，一切的妖魔鬼怪，刀山火海，都禁不住莎拉那摄人心魄，洞穿灵魂的慕然回首，查尔斯的心理防线仿佛被闪电瞬间击穿似的，从此一发不可收拾的爱上了莎拉。莎拉那勾魂摄魄的眼神，是世俗世界无法找到的，那是甘如醴的清酒，澄澈而沉醉，世界的一切在那双坚定的眼神中显得幼稚而可笑，爱情的力量被无限的放大，于是一切的障碍与桎梏，都在不经意间崩溃瓦解。爱情战胜了一切！
《法国中尉的女人》讲述的就是这个迷一样的莎拉，用一身黑衣来隔绝世俗的压迫与嘲讽，用眺望海边表达对自由的向往，对爱情的执着，用自己的沉默来反抗喋喋不休的舆论，用敢爱敢恨的性格挑战桎梏人性的教条戒律。一个不同与那个时代的女性，好似夏洛蒂勃朗特笔下的《简爱》，遗世独立，奋不顾身。所以，在影片结尾处，莎拉与查尔斯共乘一叶扁舟，悠然的穿过幽暗，狭小的桥洞，驶向平静明亮而又阳光灿烂的湖面上时，鲜明的视觉对比，象征着这对饱经风雨的恋人，终于穿越了社会与灵魂的恶梦隧道，迎来了属于自己的春天，有情人终成了眷属。
然而现实世界中，扮演莎拉的安娜，却不是那个甘愿为爱牺牲一切，即使在那个封建保守的维多利亚时代的莎拉。理性至上自由万岁的当代，安娜却挣脱不了那些看似强大坚固的枷锁，选择了狼狈的逃避。安娜最后在镜子中看到的自己，不是那个《法国中尉的女人》照镜子的莎拉，她不敢直面这个道貌岸然的世界。镜子的前呼后应，使人物形象的对比更加鲜明，影片的结构也得到了完整。
导演卡洛尔·赖兹，以这种匀称的互递式的影像结构，通过两个不同时空对感情取舍的反差，来体现一个颇具时代感的讽刺，同时借助现代意识来解构维多利亚时代的故事。片中片的故事结构，将现代人的视点与过去故事的惊心动魄转化为一种精美的结构性对称。但套层结构中，一种深刻的关于 我是谁 的困惑却也深深的影响了查尔斯的扮演者迈克。因此当迈克看着安娜远去的身影喊出莎拉时，现实与虚构间的鸿沟消失不见了，角色的互相转换却也为现实中的爱情增添了一些荒诞色彩。
去爱吧，就像从来没有受过伤害一样。
被规矩束缚的女人们
——《大红灯楼高高挂》影评
《大红灯笼高高挂》是张艺谋导演1991年的作品，这部在国内国外获得很多奖项的影片确实有它的独到之处，比如在刻画人物，画面上都显而易见。影片是根据苏童的中篇小说《妻妾成群》改编的，在继承和发扬原著的主旨和风格上，又贯穿张艺谋独特的视觉效果和厚重的历史文化底蕴，反映了“一夫多妻制”的封建家庭内部互相算计，暗斗的人生景象及相应的生存原则，女主人公颂莲是作品的核心人物，本来受过教育的她，在陈府这样一个阴森恐怖、勾心斗角的生存环境当中，为了能有一席之地，个性逐渐扭曲和变形。而最终导致颂莲和其他太太，甚至丫鬟雁儿变化的罪魁祸首就是陈家的老规矩。这是一群被规矩束缚的女人，这也是一群牺牲在封建社会制度下的女人。整部影片拍摄的环境非常单一，就是陈家一个大宅院。但是拍摄环境的单一并没有埋没这部影片细腻的情感以及所想要表达的思想。所以电影故事片《大红灯笼高高挂》是一部成功的影片。
第一，该片的内容。一部好的影片离不开好的内容，好的内容又离不开好的主题。该片的主题显而易见，那就是旧的封建思想对人的腐蚀。颂莲本是一个已经读大学的学生，但是在贪钱的继母面前，她只能妥协，嫁给了已经有了三个太太得大地主，她放弃了学业，也就相当于放弃了先进的思想，于是她在陈家的大宅里，被陈旧思想腐蚀，当她徒步到达陈宅时，第一个人遇到的是陈家一个名为“百顺”的管家，百顺百顺，百依百顺，这也就是这个家必须遵守的规矩。到了陈家的颂莲，迎面而来的不是她未来的丈夫，而是一条条从祖上传下来的老规矩，锤脚，点灯等。她又认识了长得像一百多岁的大太
免费论文网友情提示：本网站所有内容为共享上传提供，不涉及任何商业利益，本站对此不承担任何保证责任！
Copyright © www.csmayi.cn Corporation, All Rights Reserved 共享时代 共享你我他 版权所有