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篇二：浅谈波普艺术
浅谈波普艺术
学院
专业 报考 姓名 学号
2014年10月20日
浅谈波普艺术
谭小丹
中央美术学院城市设计学院 形象设计学部主题空间工作室
摘要：本文首先对当代艺术进行阐述，以20世纪60年代当代艺术影响力最深的派别波普为切入点，综合其影响进行剖析进而深入。希望以小见大由波普运动中不同时代、地域艺术家的生活方式及生活态度进行探索为线索，客观分析在当代艺术的影响下人类生活方式的价值所向。
关键词：当代艺术；波普艺术；艺术家
引言
当代艺术究竟是什么，它是如何而来的，如何影响着世界又是如何影响着我们的生活，当代艺术是由西方艺术界发起的，然而中西方明显的文化差异又是如何影响中国的。作为一名美术学习者，生活爱好者，对于已有的生活状态产生疑问，“究竟艺术史上什么样的传承影响了我的生活方式，这是否也是我所希望的？”
正文
若要谈到波普艺术，当然要数20世纪声名大噪的一系列运动所产生的现代艺术——即，如今我们所说的当代艺术。西方现代艺术始于20世纪前后，它的诞生形成了与以往三千年的西方艺术完全不同的艺术观念、思维和形式，艺术发生了翻天覆地的变化。艺术的写实性、唯美性、叙述性和传统的美学观点被全部推翻，艺术的非写实性、反唯美性、非叙述性已经是有目共睹的当前艺术主流内容①。传统艺术特性的淡出，使新近艺术的表现性、象征性及心理状态呈现的淋漓尽致，而“波普艺术”更是将传统艺术中的高低之别，雅俗之分完全打破，这是从根基上动摇了
传统艺术。艺术也早已不是唯美叙述性的“架上绘画”，而是更加个人化、观念化的活动，时代中人们对于新事物的接受能力，正在经受着考验。
对于波普艺术，自己曾经肤浅的理解为潮流的、艳丽的、毫无掩饰的、奔放的...做什么东西都是很大胆的“乱来”，无根由的去呈现某件事情，旁人一探根由，自己便说“随心创造”。可波普艺术究竟是什么状态呢？科普知识后发现，它的精神核心--虚无主义、无政府主义，加上嬉皮笑脸、放荡不羁的创作态度。然而它本质核心则是一个探讨通俗文化与艺术之间关连的艺术运动，波普艺术试图推翻抽象表现艺术并转向符号、商标等具象的大众文化主题（波普艺术这个字目前已知的是1956年英国的艺术评论家罗伦斯·艾伟（Laurence Alloway）所提出的②）。 它的这种强大的“包容心”震撼到我了--有这样一群人，他们不至上，只当下。
当代艺术的确立具体来说是在1960年，美国的“反文化”运动浪潮起了推波助澜的力量，而“波普艺术”所倡导的的反对高雅与低俗的区别，把日常生活的主题、通俗的商业文化带入严肃艺术，把艺术从单一的创造转变为批量生产，这些做法基本动摇了在20世纪上半叶还没有被触及的传统艺术的核心原则，从根本上动摇了西方传统艺术，才将艺术带入到一个新的发展阶段。在波普艺术的带动之下，出现了很多不同的新艺术形式，比如观念艺术、大地艺术、人体艺术等等，艺术变得极为繁杂和多样，到现在为止，几乎已经面目全非了③。波普艺术所开拓的通俗、庸俗、大众化、游戏化、绝对客观主义的创作方式，虽然在现代史上有非常重要意义的，但是它在时代的冲击下所带来的利弊一直在经受着考量。当代艺术的诞生，使西方国家出现了大量的艺术流派，基于美国“反文化”浪潮的涌动，它们日益流动在人们的生活中，亦推动着社会的发展。在60年代左右所发展起来的各派别，如：波普艺术、当代抽象艺术、极限艺术、观念艺术、新表现主义绘画、新写实主义以及后现代主义等，它们相互独立、依存又相互渗透。派别的生成无疑是基于对立派别的思考之上而形成的，或继派别的延伸，或全盘否定从而立新，或相互渗透融合达到至美...
波普艺术是当代艺术的开端，也是引导者，它的存在与发展必然有其社会基础，虽然1960年代混乱的社会状况已经过去，但1960年以来一系列的社会现象，如商业主义泛滥、媒体肆无忌惮地垄断并左右人们的生活和思维，社会生活的支离破碎
化，人们生活的非个人化趋向等，却依然存在，并且有越来越绝对化的发展趋向。此时，新一代艺术家在后现代文化的影响下，企图用波普来取消“观念艺术”和“极限主义艺术”。
波普艺术在历史上有新旧之分，但其所谓的“新波普”其实并不新，仅是60年代波普的一个延伸发展，在影响和深度上也无法提及。在概念上它所反映的是战后成长起来的青年一代社会与文化价值观，力求表现自我，追求标新立异的心理。饱受战争摧残的欧洲在废墟上开始重建物质与精神家园。全欧洲渴望新起点、新出路，以摆脱战争下的阴影。战后欧洲，部分艺术家为重新创造他们的虚无艺术，已经不自觉的开始关注以人为本的人类生存状况。青年艺术家躁动的新思潮也从一个侧面反映了欧洲对价值体系的重估。战后盛行的存在主义哲学在一定程度上是对个人自由、责任困境的关注。它助长了一种普遍的感觉--即，人在世界上是孤独的，又超然于一切信仰，因此一名艺术家应该在艺术之中寻求解脱之道，强调“独创性"的思想风行，艺术行为本身代表了被痛苦麻痹意志的复苏，使之成为一种净化的隐喻，寄希望将艺术彻底更新。
最初，西方的一些现代艺术名家被请到世界各地举办展览，这不仅仅是对纳粹迫害的一种补偿，也暗示着文化的回升。现代艺术较以前更为人所知，并得到了官方的认可。这在一定程度上抵消了其孤立、隔绝的状态，也是欧洲各地年轻一代真正创造自己生活方式的缩影。这种生活方式是自己选择的，而不是被其他力量利用和诱导的，而且，它是一种实现现代化的生活方式。另一方面，旧时的艺术中心--巴黎，由于大批移民的出境而元气大伤。美国开始崛起。各地接受现代艺术的程度不平衡，巴黎与纽约之间为争夺艺术领导地位开始了战后的初次对决④。
当代艺术的标志性事件是小便池。波普艺术与达达艺术的代表人物法国人马塞尔·杜尚（Marcel Duchamp），用一个小便池定义了当代艺术的到来。他将印象主义以来强调视觉的艺术概念转换到用语言、思考过程与动感交互表达，并且运用心理与生理的表现素材开创了当代艺术的许多新技法，是二十世纪实验艺术的先驱，被称为“现代艺术的守护神”。简单地说，普通的事物也有艺术的魅力，这就是当代艺术。英国当代雕塑家东尼·魁格（Tony Cragg）受早期波普艺术影响很大。波普运动是在英国和美国同时发展起来的艺术运动。虽然波普运动到1990年已经步入1960年代那样气势逼人，但是在英国艺术界，甚至于雕塑界，依然具有很大的影
响，从不少当代雕塑家的作品中可以看出这个运动的影响痕迹。波普艺术的重要原则之一是打破艺术中的雅、俗之分，把日常生活汇总的用品作为艺术表现的对象。他们的作品隐约包含了对商业文化的讽刺，但是也并非十分强烈。（英国第二代现代雕塑家比尔·伍德（Bill Woodrow）和大卫·玛什（David Mach）可见）
然而，直到1962年，早年毕业于卡耐基技术学院的安迪·沃霍尔（Andy Warhol），那里的实用主义氛围对他有着很大的影响。他的一位启蒙老师安东尼奥曾对他说，未来有一天，商业艺术将成为真正的艺术。于是，一张凸版版画，画面上只有这么一只圆圆胖胖、听身上红底白字斜印着Campbell Soup字样的罐头，安迪·沃霍尔用它宣告了他冷漠的艺术态度和非人性艺术风格的诞生。据说，这个罐头的创意来自于安迪·沃霍尔的侄子给他的一张生日卡，上面画的便是当时非常流行的金宝汤罐头。“这个罐头……我可以证明，他只是恰好出现在我们生活中的很常见的东西。你看，我也画过。”这是他侄子说的。在接受艺评家戴维·鲍登的访谈中，沃霍尔的回答印证了这一点。为什么画罐头？他说他只是恰好喜欢平凡的事物，当他画它们的时候，也不想把它们变得不平凡。所以，为什么是罐头呢？因为他足够平凡，就如同你我一样。当他画它们的时候，也不想把它们变得不平凡。但无论如何，一个看过金宝汤展览的人，再走进超市看见金宝汤罐头时，应该会有不一样的感觉吧？这就是波普艺术，它令我们看身边的眼光独立了起来，令人们开始审视“普通的事物里包含的价值”。与此同时，沃霍尔还在尝试胶片制版和丝网印刷，两者的共同点是都可以将艺术“复制”。有了复制，沃霍尔便能够在一个画面上将猫王的面部特写重复36次，玛丽莲·梦露的面部和嘴唇特写分别重复25和84次，复制的对象还有可口可乐，以及美元??艺术品本该有的独一性被打破了。在我们本以为艺术是件很神圣的事情时，波普艺术的这样诠释，让我觉得生活中的我可以靠近艺术了。
波普艺术的产生实在是影响我们太多了，在这个年代或许回看当时艺术家的作品觉得难以理解，为何惊叹！但是换思路思考，近一个世纪的消逝，小便池、丝网印刷的图案、以及艺术家的自我表达依旧是人们所探讨的。我始终认为波普艺术在它的理念上给人们的影响是更为深刻的，它不再像传统的架上绘画那样，去描摹，去叙事，去写实，要有异常深的根基才可以达到表象的本真。安迪·沃霍尔的作品一方面保有了新闻照片般面貌始终如一的精神，却又因过度复制而缓慢失真。（1962
篇三：波普设计、
波普艺术的主题和内容都根植于现实生活，它是当时社会由文化转型所带来的激流的真实写照。新一代作为文化转换和解放艺术的强大力量，其风格都是基于这样一个现实：用这一代自己的语言表达自我，帆船一同的事情，刺激的行为令人震惊的策略以及对于己禁忌的打破，还有对于利益的蔑视。这些都是这种文化叛逆的特性。
前言
波普艺术（Pop Art）是在美国现代文明的影响下而产生的一种国际性艺术运动，多以社会上流的形象或戏剧中的偶然事件作为表现内容。它反映了战后成长起来的青年一代的社会与文化价值观，力求表现自我，追求标新立异的心理。
汉密尔顿为“波普”下的定义为“流行的（面向大众而设计的），转瞬即逝的（短期方案），可随意消耗的（易忘的），廉价的，批量生产的，年轻人的（以青年为目标），诙谐风趣的，性感的，恶搞的，魅惑人的，以及大商业”。
波普艺术(Pop Art)最早起源于1950年代的英国，之后因为以Andy Warhol为代表的一批明星级艺术家的影响力而在美国得到巨大发展。让波普出现在了时装、AC-DC、香烟、胶纸、摇滚唱片等任何东西上。将身边的物品，如漫画、电影海报、明星、高跟鞋、任何消费品图像通过解构、拼贴、重复的手法进行艺术创作，都可成为波普艺术的创作主题。波普艺术作为对抽象表现主义的叛逆登上了艺术舞台，这也是美国一种重要和独特的艺术形式。代表人物劳森伯格受到作曲家凯奇的影响，试图以一种新的艺术形式来抹平艺术与生活的区别，艺术家应该自由地反映客观现实，不受传统的约束。他甚至把城市的废弃物作为创作作品的材料，把这些本来不具备审美特性的东西按照艺术构思拼凑起来，使之脱离原来的属性在形式上开了“结合”艺术的先河。汉密尔顿的作品更直接体现了波普艺术的本质，他们并非对现实的讽刺挖苦或反叛，而只是以一个普通者的姿态观察我们生活的世界。使我们突然意识到某些东西的存在，而这些习以为常的东西确经常被我们忽略。安迪·沃霍尔与其他波普艺术家相比显得更彻底，他完全取消了艺术创作中的手工操作观念，直接用制版印刷的方法 把照片形象移到画布上。还应用了古典主义者和现代主义者视为大忌的“重复”，甚至于推向极端，可口可乐瓶无尽无休的排列，以及明星们的照片都成为了最好的创作主题和素材。 这十分贴切的反映出了后工业时代的特征，现代工业正是这样每天重复着同一样东西。以直观的艺术形式代替了深奥的艺术。随着后现代艺术的推进，它同我们生活的界限也显得愈来愈近，可能我们无法意识到，但它作为我们生活和精神的组成部分已无法替代。
波普现在
波普艺术对世界设计的影响造就了波普的许多延续形式，如欧普艺术，观念艺术，超级写实主义，后现代主义等等。波普将通俗文化及普通生活中的物件推向了至高无上的艺术殿堂，扩大了艺术本身的空间，也增添了更多艺术创造的可能性。在波普理念基础上生产的设计作品创意新奇，契合了青少年的心理特点。波普的这种通俗问漫画作品，经由大众媒体传播获得了空前的成功，成为对现代主义的重创，也是对艺术至上观念的有力的冲击。（《北方美术》张立 冯越峰 《谈波普艺术对现代设计的影响》）
代表艺术家
波普艺术之父——Richard Hamilton
波普艺术的领军人物，杜尚的学生，英国最具有影响艺术家之一。一副拼贴画《究竟是什么使今日家庭如此不同、如此吸引人呢？》（Just what is it that makes today's homes so different, so appealing?）。画里有药品杂志上剪下来的肌肉发达的半裸男人，手里拿着像网球拍般巨大的棒棒糖；有性感的半裸女郎，其乳头上还贴着闪闪发光的小金属片；室内墙上挂着当时的通俗漫画《青春浪漫》（Young Romance），并加了镜框；桌上放着一块包装好的“罗杰基斯特”牌火腿；还有电视机、录音机、吸尘器、台灯等现代家庭必需品，灯罩上印着“福特”标志；透过窗户可以看到外边街道上的巨大电影广告的局部??这一切都可以通过那个半裸男人手中棒棒糖上印着的三个大写字母得到解释：POP。该词来自于英文的“popular”，在汉语中一般音译为“波普”。
汉密尔顿 1922年生于英国皮姆利科，曾在皇家学院和Slade艺术学校，随现代艺术之父杜尚学习。汉密尔顿奠定了波普艺术的创作方法，即通过直接挪用社会生活中的一些形象来创作作品。
安迪·沃霍尔（Andy Warhol,1928.8.6－1987.2.22，港台地区译为安迪?沃荷）被誉为20世纪艺术界最有名的人物之一，是波普艺术的倡导者和领袖，也是对波普艺术影响最大的艺术家。他大胆尝试凸版印刷、橡皮或木料拓印、金箔技术、照片投影等各种复制技法。沃霍尔除了是波普艺术的领袖人物，他还是电影制片人、作家、摇滚乐作曲者、出版商，是纽约社交界、艺术界大红大紫的明星式艺术家。
201在纽约以商业广告绘画初获成功逐渐成为著名的商业设计师，他设计过贺卡、橱窗展示、商业广告插图，这些经历决定了他的作品具有商业化倾向的风格。他的作品于该年在纽约崭露头角，在著名的工作室“工厂”(Factory)内聘请了一组工作团队，摒弃古典艺术，立志从事于颠覆传统的概念创作。“大量复制”当代著名人物的脸孔就是其中之一，将浓汤罐头与可乐瓶化身成艺术品也广泛为人所知。
最出众的风格是透过丝网印刷手法和不断重复影像，将人物化成视觉商品，代表作包括《玛丽莲·梦露》、《金宝罐头汤》、《可乐樽》、《车祸》、《电椅》等，这些作品都在沃霍尔开办的纽约影楼（The Factory）中，经一些业余助手大量生产和复制，mass production总是沃霍尔的流行艺术观中不能或缺的指标。至六一年，沃霍尔已被誉为是继Dali及毕加索后另一位前卫艺术界名人，不论是一卷厕纸或一个厕板，只要盖上他的印章，随即便时髦起来。沃霍尔的绘画中常出现涂污的报纸网纹、油墨不朽的版面、套印不准的粗糙影像，让人像看电视一闪尔过，而不是欣赏绘画般仔细观看。
2014年2月12日晚，著名艺术家安迪·沃霍尔所作的毛泽东画像在英国伦敦苏富比拍卖行以760万英镑(约合人民币7663万元)的高价被拍卖。
草间弥生
日本艺术家，前卫的女王。波尔卡原点的拥护者很代表者。她的波点填满了整个房间，事物，甚至是赤裸裸的尸体。草间弥生在美国的十几年，正值波普艺术的兴盛期。多年以后，当评论家们重新梳理她的创作历程时，把草间弥生式的疯狂，归位于复杂的社会环境：“那是一个‘嬉皮士’横行的时代，草间弥生很快就意识到这个国家正在流行什么，他们抗议越战，吸食毒品，追逐东方神秘，寻求外来宗教的庇护，崇尚性解放。很多人开始以打破常规为生，一些人因此变得富有和出名。”在草间弥生“千船会”展览的开幕式上，沃霍尔带着极震惊的表情对其完美表现大加称赞。如果草间弥生不是因为精神疾病离开纽约，她会是安迪·沃霍尔艺术地位的最有力竞争者，但精神疾病恰恰又是草间弥生几十年创作的主导。
草间弥生在纽约的经历将日本人的名字写入西方波普艺术史。
波普艺术即通俗艺术、流行艺术。波普艺术首先在绘画中出现，汉密尔顿在1956年“这就是明天”展览上展出的一幅经典的波普拼贴画，从此波普艺术慢慢走进了艺术家们的殿堂。后来逐渐被应用到产品设计、视觉传达、服装设计等领域。波普艺术打破了艺术与生活的界限，试图将艺术还原于生活，我们常说艺术和设计来源于生活又高于生活，因为它们给我们带来了异样的物质功能和精神上的愉悦。而作为人们生活息息相关的产品设计必然会引起设计大师们的重视，将其应用到设计中。
二、波普艺术在产品设计中的应用
波普艺术对产品设计的影响主要表现在对产品基本构成元素进行设计，即对产品的造型、材质、色彩、图案的影响。波普艺术表现手法主要有拿来主义、原色设计、拼贴设计和无限制复制等对产品基本构成元素进行设计。
（一）造型
拿来主义在现代设计方法相当于移植设计方法，是所有创作的基础，也是波普艺术的大众文化思想。在产品的造型设计中通过将现有产品通过变形、夸张等进行放大或缩小，产生一种熟悉而陌生的感觉。波普艺术思想在产品设计中不单体现在单纯的装饰上，更多的是将功能与装饰的结合。最具代表性的为琼斯《半裸的座椅》和《茶几》在别人看来它是低俗的设计，但它代表了波普艺术中装饰与功能的集合。波普艺术不仅是形式主义，还融合了功能主义的思想，形势与功能相结合。
（二）色彩
色彩就似产品设计的外衣，是产品设计表达情感的最重要的元素之一。原色调是波普艺术主要表现手法之一，在产品设计中，鲜艳原色调的应用大概就是来源于波普艺术，特别是在儿童产品设计过程中，更能反映波普艺术在产品设计中的延续。意大利的波普设计具有软雕塑的特点，家具设计色彩不单单是原色的应用，而且与设计品之间存在某种联系。意大利设计师设计的红唇椅，采用鲜亮的红色，象征女士的红嘴唇，将生活场景的色彩和造型直接再设计，受到年轻大众的欢迎和喜爱。
（三）材质
在材质运用上，波普艺术最常用的手法就是拼贴组合，通常将生活中的一切可见可用的东西，比如日常用品、生活垃圾等都可作为创作的源泉，使原来物质失去原有的功能，表现新事物的性格特征和内涵，唤起人们对被忽视的美的新认识。1964年英国设计师穆多什设计的儿童椅，它采用纸板折叠而成，另外1986年GattiPaoliniTeodoro设计的Sacco椅子和帕斯、杜尔比诺、罗马兹运用麻袋共同设计的充气扶手椅。这些都是波普艺术风格的典型设计，充分说明波普艺术在产品设计中材料的使用上不仅满足产品功能，站在现代设计角度上，和流行的绿色设计思想如出一辙，符合绿色设计3R的原则。
（四）装饰
波普艺术在产品设计装饰上的应用元素形式多样、变幻莫测、风格各异，给人以异样的视觉效果。如波普艺术运动的领衔人物安迪·沃霍尔的绘画代表作《玛丽莲·梦露》就是把梦露的头像经过多色彩的处理作为素材，直接应用到杯子、枕头等产品上。波普艺术风格图案在设计过程中不断采用重复、拼贴、并置、夸张、移位、涂鸦等丰富新奇的手法赤裸裸地再现生活，强调自己的立场。
三、从波普艺术引发的新思考
首先在思想方面我们要打破传统设计观，我们只关注设计往往忽略艺术，艺术和设计是没有界限的。从艺术领域我们同样可以找到设计的灵感和方法。正如波普艺术中的挪用、原色、拼贴及复制等方法在产品中都有体现，我们要善于发现艺术背后的方法和技巧应用到现代产品设计中，这会成为设计上重要的设计方法和思路。
其次，现代产品设计不只关注功能主义，精神功能同等重要。现代主义过分强调功能主义、实用主义，而忽视了产品的文化、人文气息以及情感化、情趣化。产品设计已经进入了用户体验式设计，用户的感受在产品中的作用日益突出，在以后设计的过程中，关注人的情感和细节是很重要的一部分，而这也正是波普艺术表达出了作品中的灵魂所在。法国设计师MyDotDrops在2009年推出一款波普风格的DIY旅行箱，使用者可以按照自己的喜好选择彩色点组成的图案，体现了使用者独特的个性。波普设计给现代设计很好的启发，使设计达到功能与形式的统一。
最后，在波普艺术中找到了现代设计思想的踪影。随着环境污染的日益严重，资源匮乏，绿色环保低碳设计成为现代设计主要主题。在波普艺术中，生活中可见可用的东西，比如说日常用品、生活垃圾等都可拿来创作，这和绿色设计的宗旨如出一辙，这也许就是绿色设计的雏形。
波普艺术和波普设计
【交享阅】文学&音乐的极客Zone
在陈旭的作品中，充满了典型的波普主义风格。利用鲜艳、简明的色彩，平涂的方式，将招贴画、电影广告、各种事件的摄影图片、符号拼贴组合。在种种“复制”中，来实现自己的原创。
波普艺术萌发于上个世纪五十年代的英国，于六十年代鼎盛于有浓烈商业气息的美国。首先迈入富足的超级强国，将商业化的特征与艺术相结合创造了与高雅艺术对立的流行文化。他们利用广告、杂志、电视、漫画的宣传，将日常生活里司空见惯的东西拼贴组合。这是当时反文化运动的一个缩影，由此，人们开始正视通俗文化。
自清华大学美术学院毕业之后，陈旭进入了跨国公司工作。从最初的零工、学徒，到后来走上设计师的道路。三年间，学生时代的懒散习气消失殆尽。专业化的训练，让他行事充满了纪律性与效率，却陷入机械化的重复。曾经的浪漫、灵感、创造性，这些学习艺术的初衷渐渐被掩藏。最终，背道而驰的生活让他选择了离职，进入了“混”艺术区的日子。也于此时，拾起了自己的创作。
陈旭的作品，带着鲜明的波普风格，非常西化。这种风格对中国的当代的艺术来讲，并不新鲜：在上个世纪九十年代，由于劳申伯格的引入，人们接触到了这个反叛的，年轻的，“廉价”的产物。虽然在艺术形式上，人们的眼界得到了拓广。但究其根本，一种建立在充分的商业文明基础上的文化，在当时低下的物质环境里并没引发真正的共鸣。艺术家们将中国的政治特色与其结合，建立了政治波普风格，衍生出一系列作品。而在二十一世纪的今天，当经济、文化、媒体领域迅速发展时，尽管阶层间仍有悬殊的差距，少数发达地区已具有“富足社会”的影子。人们的生活被消费文化包围着：触目可及的招贴、广告、杂志、时刻刷新的新闻消息把人们的脑袋塞满。这时，才算真正有了波普文化发生的土壤。
在画家的作品里，使用了非常有代表性的做法：“拿来”、“拼凑”、“罗列”。曾经有艺术家对这样的创作表示质疑，认为它甚至不能称为艺术创作。但这样的手法本身并非没有价值，它从一个侧面展示了时代的精神状态：在鼠标一点一合之间，人们被爆炸性的信息裹挟着前进，却缺乏消化与真正理解的时间。于是我们的脑海里恰如这些画面：内容繁杂、粗暴而缺乏逻辑的陈列着。
在陈旭的系列作品里，我们看到了当代艺术的丰富、杂乱、肤浅和趣味性。他将生活的沉重与意义抛之脑后，用明快的语言陈述一切。在创作的过程中，与当下提倡的“Less is more”截然相反，他尊崇一种“做加法”的方式，认为加法和减法有着同等的价值。画面中，巨大的信息量堆积：手机电格符号、抽象化的脸孔、纸币、卡通形象、音乐封面、登月报道??甚至一些带有性与暴力意味的简笔画。它们是日常生活的细枝末节，以不合逻辑的形式组合在一起。在绘画形式上，利用栅格将元素整齐排列。虽然在内容上是风马牛不相及的，但在呈现方式上却前所未有的整齐划一、各司其职。
从内容的多样化，我们能感受到作者对生活的好奇心。但这样的人往往会耐性不足。栅格化的形式在最初是让他头疼的。陈旭说，“这种‘大规模性、工整的（尤其是直线，远比要比曲线难画）平涂工作很磨性子，再加上我又是急性子总想很快完成，真是异常痛苦。”渐渐，他在摸索中找到了自己的表达途径。从最初的无从下手，到小心翼翼安排符号来满足逻辑，到信手拈来抛弃逻辑。他的创作加入了更多感性的成分。而这种不经思考的搬运，让我们联想到。。。。。。
（本文源自雅昌画廊）
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